Arvydas Kašauskas est né en 1959 à Vilnius. De 1977 à 1982, il a étudié la fresque et la mosaïque à l'Académie des Arts de Vilnius.
« La qualité de l'art reste une question d'ambition et d'intégrité de l'auteur », déclare Kašauskas. En termes simples, l'art est bon lorsque l'artiste se soucie et reste honnête.
Kašauskas a été formé à l'art monumental—une discipline axée sur l'échelle, la structure et la permanence. Ce bagage façonne encore son travail aujourd'hui. Il aborde la peinture non pas comme une simple représentation, mais comme une construction : chaque pièce est bâtie, portant un sens de poids et d'espace.
Après la chute du régime soviétique, il a commencé à travailler de manière indépendante, passant de fresques publiques commandées par l'État à des œuvres sur toile plus intimes. Bien que l'échelle ait changé, son approche matérielle est restée.
La peinture n'est pas simplement appliquée—elle est grattée, pressée et superposée, créant des surfaces denses et tactiles. Son travail équilibre contrôle et imprévisibilité.
En regardant en arrière, Kašauskas décrit son élan artistique précoce comme une recherche d'« une vie plus lumineuse et plus captivante », façonnée par une époque où l'art avait un rôle culturel distinct.
Aujourd'hui, il voit la créativité comme quelque chose d'ouvert à tous—non limité aux artistes, mais accessible à quiconque façonnant sa vie avec intention.
Le paysage reste une constante dans son travail. Peignant souvent en plein air, il puise de l'énergie du lieu et de l'expérience créative partagée. Même dans l'abstraction, la nature est toujours présente—réduite à un rythme, une forme et un espace.
Pour Kašauskas, chaque peinture est, en fin de compte, une abstraction.
Lithuanian Artists’ Association Member
This artist was acknowledged by the Ministry of Culture of the Republic of Lithuania
TOP 15
Recommandé par la galerie
À propos de cette œuvre+
La peinture affiche un paysage abstrait vibrant divisé en couches de coups de pinceau texturés et de taches de couleur chaotiques. La partie supérieure de la toile est dominée par un mélange de teintes chaudes—rouges et roses s'étirent comme un ciel enflammé au crépuscule, entrecoupés de coups de pinceau blancs et de bleus sombres suggérant une atmosphère tumultueuse. En dessous, une séquence de bandes horizontales, riches en couleurs contrastées comme le blanc, le gris, le noir et des éclats d'orange vif, implique une ligne d'horizon lointaine ou un plan d'eau réfléchissant. La moitié inférieure de l'œuvre devient de plus en plus complexe et fragmentée. Elle est remplie d'un assemblage tumultueux de formes et de couleurs—gris, noirs, bruns, et touches de rouges et d'oranges vibrants, tous lourdement texturés ou appliqués, suggérant une scène chaotique, peut-être urbaine. La myriade de couleurs et l'application dynamique de la peinture créent une sensation d'énergie presque palpable, donnant à la peinture une sensation vivante et organique, malgré sa forme abstraite. L'effet global est intense et engageant, invitant les spectateurs à former leurs propres interprétations de la scène représentée.
